Aquí no se hablará mucho de estrenos de cine, cartelera, ni de gente guapa, en este blog sobre todo escribiré de lo necesario. Buscaré ejemplos de películas que transmitan en algún momento una gran fuerza narrativa. Artículos, recomendaciones para ver cine, análisis de planos, secuencias y películas, destacando principalmente la forma y
la narrativa utilizada por los realizadores. De vez en cuando también publicaré alguna noticia de actualidad relacionada con el séptimo arte.


"Cine Jondo", lo más puro y autentico del cine por Juan Miguel del Castillo.


21 de enero de 2013

THE ARTIST. La fuerza del sonido.


George Valentin es una gran estrella de la interpretación del cine mudo. Con la llegada del cine sonoro su carrera corre peligro temiendo quedarse atrás y no adaptarse a los nuevos tiempos. El director Michel Azanavicius sorprendió con esta película con la que hizo un recorrido sobre la historia del cine mudo de Hollywood consiguiendo 5 Oscars, entre ellos el de mejor película del año 2012.


VÍDEO: El actor está en decadencia dentro del cine mudo y no está pasando un buen momento. Se encuentra en su camerino, y por sorpresa de una forma muy peculiar, el cine sonoro llama a su puerta. Se aproxima el final de su carrera, lo que será para George la peor de sus pesadillas.






NARRATIVA: El sonido llega a la vida de George por sorpresa y la película ha sido muda hasta este momento, merece la pena resaltarlo por su originalidad y brillantez. El protagonista hace intento de hablar, grita y se desespera a la vez que todo empieza a sonar excepto su voz. De forma sencilla, clara y contundente, el director nos transmite claramente como George muestra su miedo  mas profundo quedándose atrás con la llegada del cine sonoro. Una gran idea del guionista que en este caso es el propio director Michel Azanavicius. 

En un buen guión menos es más.
Robert Mckee.

10 de diciembre de 2012

FRENESÍ. La Narrativa del maestro Alfred Hitchcock.

Hoy escribiré sobre uno de los mejores directores de cine de toda la historia y sin duda de los que mejor dominan la narrativa cinematográfica. La película seleccionada es “Frenesí” (1972) dirigida por el rey del suspense Alfred Hitchcock. El realizador tuvo muchos problemas para poder llevarla a cabo ya que era una película arriesgada, polémica, transgresora para la época y los productores de cine no querían arriesgarse a producir a un director que estaba en declive. La película fue galardonada en el año 1973 por el Círculo de Escritores Cinematográficos con el premio a la mejor película extranjera.

VÍDEO: Robert Rusk, mas conocido como el asesino de la corbata, es un criminal sexual que tiene atemorizada a la población de Londres. Robert es propietario de un puesto de frutas y verduras del mercado londinense, lugar y barrio en el que también vive. Varias mujeres han sido asesinadas y las autoridades investigan el caso. La policía tiene un sospechoso pero anda muy lejos de detener al verdadero asesino.

Nos encontramos en el mercado de Londres, Robert Rusk se encuentra con una chica a la que conoce e invita a subir a su apartamento para después asesinarla, ella ni se imagina de lo que puede sucederle y acepta la invitación.





NARRATIVA: Por momentos como el que acabamos de ver llaman al gran maestro Hitchcock el rey del suspense, por su talento creativo, dominio de la profesión, el saber elegir los encuadres ideales, movimientos de cámara, música y las herramienta que tiene en su poder el realizador para narrar. En el vídeo, Robert sube con una chica a su apartamento para asesinarla, en la calle oímos el ruido del tráfico y la gente del mercado. Acompañamos con un travelling a los dos actores mientras suben las escaleras y entran en el apartamento, cuando Robert cierra la puerta todo queda en silencio, sin sonido. El director nos anuncia algo, hay un cambio, la cámara desciende por las escaleras y deja a la chica sola  con el asesino. Sentimos la necesidad de ayudar a la chica y de entrar en el apartamento, Hitchcock la abandona y no nos enseña lo que sucede,  nos mete el miedo en el cuerpo  y esa elección da mucho sentido a la secuencia, la chica queda  desprotegida, eso es lo que sentimos y lo que está sucediendo en la película. La cámara sigue descendiendo hasta bajar todas las escaleras, al acercarnos a la puerta del edificio oímos el sonido de la calle, continua ese largo y magnífico plano secuencia hasta salir por la puerta, una mujer se cruza ante la cámara, suena bastante el ruido del tráfico y la gente, tiene mucha presencia debido a que antes cuando la cámara descendía por las escaleras todo estaba en silencio, Hitchcock sabe hacerlo muy bien y consigue transmitirnos este momento de forma magistral mediante el contraste del sonido. Además en la calle hay mucha gente, movimiento y esto refuerza el sentimiento por la chica que está siendo asesinada, el planteamiento elegido por Hichcock  muestra la vida en la calle sin que nadie se percate de lo que está pasando a sólo unos metros, de esta forma dramatiza y da más fuerza al momento. Al final, al alejarse la cámara del edificio hace sentirnos más lejos del personaje, a la vez que expresa muy bien lo que está sucediendo.


En esta secuencia Alfred Hichcock  demuestra  que antes de ir al rodaje tiene todo muy bien planificado y estudiado, punto de vista,  posición,   movimiento de cámara y control de sonido. Como en las mejores cocinas, la buena combinación de los ingredientes hacen el mejor de los platos.

19 de noviembre de 2012

LAS CLAVES PARA UN BUEN GUIÓN.


Todos sabemos que un buen guión es un pilar importante para que una película funcione, pero no lo es todo ya que hay muchas películas malas con un buen guión y películas muy buenas con un guión mediocre. Algo que contar es imprescindible, pero mas importante es como contarlo, ¿qué tiene que tener un guión para que funcione?. Una de las claves está en su estructura, la columna vertebral donde se sostiene una historia. Para todos los interesados en esta materia voy a recomendarles dos obras imprescindibles utilizadas por dramaturgos, escritores y guionistas de todo el mundo, y a mi parecer, fundamentales para todos el que quiera  dedicarse a la profesión.

El primero de ellos es "El viaje del escritor" de Cristopher Vogler, un clásico y libro de referencia para muchos guionistas profesionales. Se basa en  "El poder del mito" de Joseph Campbell, libro editado anteriormente y en el que se inspiró Vogler. Cuenta el viaje o recorrido que hace el personaje del héroe o protagonista de una historia. El libro se divide en dos partes, por un  lado el autor nos recomienda los pasos a seguir para que una historia funcione a nivel de estructura clásica y por otro que funciones, características y rasgos de personalidad deben tener los distintos personajes para que funcionen y sean verosímiles. Sin duda de gran utilidad a la hora de escribir un guión.




Mi segunda recomendación es "El manual del guionista" de Sed Field, un manual que cuenta con distintas versiones y es uno de los libros de guión mas vendidos de la historia. Este es un manual más detallado y completo que el viaje del escritor ya que nos cuenta paso a paso todo el proceso de elaboración de un guión, desde el principio donde nos enfrentamos a un folio en blanco hasta el guión final.

El manual del guionista su propio autor lo define como instrucciones y ejercicios para hacer un buen guión.... Todo el mundo tiene una idea para hacer una película, pero muy pocos son capaces de escribirla. El proceso de escribir un guión cinematográfico es lento y doloroso, hay que ser fuerte mentalmente y estar dispuesto a perderse, atascarse en el proceso, no saber que escribir, dudas con los personajes o preguntas como ¿por donde empiezo?.  Recomiendo este libro para no verse involucrado en estas situaciones y llegar a un final feliz en la escritura de un guión literario.  Best Seller imprescindible y como dicen algunos.... el manual del guionista es la Biblia del guión.






12 de noviembre de 2012

CINEMA PARADISO. Narrar mediante el atrezo.


Analizamos un fragmento de la magnífica película Cinema Paradiso (1988), dirigida por Giuseppe Tornatore y en la que veremos cómo el director utiliza el atrezo para narrar y transmitirnos el estado de un personaje. La película consiguió el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, Globo de Oro a la mejor película extranjera y el premio especial del jurado del Festival de Cannes.

VÍDEO: Salvador, es un niño que siente un amor especial por el cine. En el lugar donde vive no hay muchas distracciones y eso le hace volcarse con el séptimo arte de forma apasionada. Con el tiempo hace amistad con el proyeccionista del cine de su pueblo, este le enseña la profesión y Salvador queda fascinado.  El niño va creciendo y un día decide que tiene que abandonar su pueblo para buscar su futuro en la gran ciudad. Al tiempo, la madre de Salvador le echa mucho de menos y después de muchos años un día la mujer es sorprendida por la visita de su hijo.





NARRATIVA: Que gran maestría de Tornatore y que gran momento cinematográfico siento al ver esta secuencia. La madre de Salvador está haciendo ganchillo en el salón, sentada en el sofá, suena el timbre y ella sabe que es su hijo. Se levanta rápidamente, llega el momento en que Giuseppe Tornatore decide narrar este gran momento mediante el atrezo y de esta forma nos muestra muy bien la alegría de la madre. Al levantarse con tantas ganas, la mujer se lleva el ovillo de lana encima y en esta ocasión  el director prefiere mostrarnos la pieza de ganchillo y así transmitirnos su interior, lo vemos en un plano detalle, poco a poco se deshace, entendemos el recorrido que hace la madre hacia su hijo. A ella le da igual destruir las horas de trabajo si eso hace ver antes a su hijo. El ganchillo sigue deshaciéndose hasta el momento en que para, entendemos que los dos se han encontrado,  para ello un movimiento de cámara se dirige a la ventana, vemos un coche de color amarillo al que seguimos y nos guía hacia madre e hijo abrazados. Sencillo, eficaz y la vez brillante. Tornatore podría haber realizado esta secuencia de forma diferente ya que hay muchas maneras de hacerlo, con otros planos, mediante el sonido o la luz, pero en esta ocasión el realizador de forma muy acertada decidió utilizar el atrezo.

5 de noviembre de 2012

EL PADRINO III. Narrativa.


Hoy analizamos un gran momento cinematográfico de la última entrega de la saga Corleone. En la secuencia seleccionada de "El Padrino III" dirigida por Francis Ford Copola (1990), un magnífico Al Pacino interpreta a Michael Corleone, heredero del imperio de don Vito Corleone.

VÍDEO: Estamos cerca del final de la película y la familia sale del teatro de Sicilia. Los guardaespaldas están nerviosos, pendientes de todos ya que esa noche hay cierta tensión y temen por los Corleone. La familia es sorprendida por un individuo disfrazado de sacerdote, este saca una pistola y empieza a disparar. Hay varios heridos y fallecidos, entre ellos  la hija de Michael Corleone . En esta secuencia destacamos la actuación impecable de Al Pacino mostrando el dolor por la pérdida de su hija, al igual que la gran realización y  puesta en escena de Coppola.




NARRATIVA: Que gran secuencia y puesta en escena se desarrolla en la escalinata a la salida del teatro simulando el final de una ópera. Francis Ford Coppola representa de forma muy inteligente la tragedia de la familia Corleone. Michael, otra vez más, pierde a una de sus mujeres, su amada hija. Cuando Michael Corleone coge a su hija y comprueba que ha muerto,  se coloca las manos sobre la cara, y en ese momento los espectadores queremos ver lo que siente “El Padrino”, el jefe de los Corleone.  Cuando se retira las manos de la cara llega uno de los mejores momentos del cine de la década de los noventa, Coppola dirige al actor de forma brillante, este muestra su dolor intentando gritar, sin romper el llanto y consiguiendo dejarnos con un nudo en la garganta, casi sin respiración, al igual que el protagonista, ese silencio tiene mucha fuerza  transmitiendo a la perfección su estado. Cuando Michael Corleone rompe su llanto y empieza a llorar, sentimos ese alivio y la respiración  vuelve a nosotros.

Es triste decir que actualmente en el cine hacen falta grandes momentos como este. En "El Padrino III" Coppola, nos demuestra que si elegimos las herramientas adecuadas en el momento preciso, el silencio habla por sí solo, y demuestra una vez más que tanto en las películas, como en los guiones actuales,  hay demasiadas palabras.

30 de octubre de 2012

NARRATIVA. El amor y la felicidad.


Continuamos en "Cinejondo" con un nuevo ejemplo de narrativa cinematográfica. En esta ocasión la película seleccionada es "Amancecer" (1927) dirigida por el director alemán Friedrich Wilhelm Murnau. Es imprescindible leer el artículo de principio a fin siguiendo el orden de escritura y ver los fragmentos de vídeo.

SINOPSIS: Cuenta la historia de una familia feliz que vive en el campo. Todo va bien hasta que el marido se enamora de una mujer de la ciudad con la que mantiene una segunda relación. Se obsesiona con ella hasta el punto de dejar sus labores en la granja y dejar a su familia al borde de la ruina. La amante pide al campesino que asesine a su mujer para marcharse con ella a la ciudad, cuando llega ese momento el no puede hacerlo ya que se siente mal por ello y decide contárselo a su mujer que finalmente le perdona.  Ganadora de tres Oscar, mejor película, mejor actriz (Janet Gaynor) y mejor fotografía.

VÍDEO: El granjero  cuenta a su mujer que tiene un amante y  le explica los planes que tenía previstos con ella. La mujer aunque la noticia la deja muy triste,  al final decide perdonar a su marido y  este se arrepiente de todo lo sucedido.




NARRATIVA: El marido cuenta  a su mujer la historia de su amante. Ella está muy dolida y se siente traicionada, sale de la cafetería. El la sigue, le ofrece un ramo de flores y la mujer se abraza al ramo  llorando como símbolo del amor roto.  Apreciamos en varias ocasiones que en la calle hay bastante gente paseando y mucho tráfico, este dato es importante para la secuencia que veremos después. El marido intenta consolarla, la toca, comienza el perdón por parte de la mujer saliendo los dos de la oscuridad donde están inmersos. Frente a  ellos, hay una iglesia donde se celebra una boda y deciden entrar. La pareja dentro de la iglesia está más calmada, miran la ceremonia, esto hace que el marido se arrepienta de todo y comience a llorar en el regazo de su mujer, ella también llora y le perdona. Estamos llegando al momento más grande y brillante de esta película. Los dos se abrazan y se besan, repican las campanas mostrando el amor de la pareja y su estado de ánimo, la pareja se besa de nuevo, el amor que sienten  es ahora más intenso. Murnau muestra de nuevo las campanas pero con un plano mas cercano que el mostrado anteriormente, que bien muestra el cambio, la alegría y la transformación  de la pareja. Salen de la iglesia y eso no es casualidad, la localización elegida nos muestra metafóricamente que ellos vuelven a casarse, que comienzan una nueva relación y ella le ha perdonado.

Antes comentaba que en la calle había mucha gente y mucho tráfico, precisamente ha sido mostrado por el realizador para mostrar la alegría que siente el matrimonio al caminar. Los vehículos pasan por delante y por detrás de ellos mostrando la fortaleza de la pareja en ese momento, los coches no molestan, ni les atropellan ya que su felicidad es mayor y nada puede derrumbarles. Que plano más vanguardista para la época, que acierto, que brillantez y que maestría narrativa. Aunque la situación no podría ser real, transmite muy bien el sentimiento de los personajes. A la vez  Murnau utiliza una proyección donde va cambiando el fondo de la imagen a un paisaje y luego de nuevo al tráfico real de la calle donde la gente llama la atención a la pareja por cortar la calle. Ellos finalizan la secuencia besándose  sin percatarse de nada ya que lo que sienten el uno por el otro está por encima de todo. 

A pesar de los pocos recursos técnicos de la época, Murnau transmitió muy bien mediante el montaje y los efectos especiales el amor y la felicidad de esta pareja.


23 de octubre de 2012

NARRATIVA. Los celos.


Nos estrenamos en "Cinejondo" con el análisis y la narrativa cinematográfica. En esta ocasión la película seleccionada es "El Infierno" (1994) de Claude Chabrol. Es imprescindible leer el artículo de principio a fin siguiendo el mismo orden de escritura y ver los fragmentos de vídeo.

SINOPSIS: Paul (François Cluzet) y Nelly (Emmanuelle Béart) son una pareja de recién casados que regenta un hotel en el campo. Nelly es una mujer muy atractiva y tras el nacimiento de su primer hijo, Paul empieza poco a poco a tener celos y a obsesionarse con Nelly. Su locura llega a extremos desorbitados, y acaba por seguir a su mujer a todos partes pensando que le engaña. Poco a poco, la vida de ambos acaba convirtiéndose en un infierno. 

VÍDEO: Paul busca a su mujer de forma desesperada y no la encuentra por ningún sitio, al llegar al bosque, junto a la laguna, descubre que su mujer está practicando esquí acuático con un amigo. Paul no lo soporta y los celos le desbordan. 





NARRATIVA: Esta secuencia demuestra la capacidad creativa que tiene Chabrol para transmitirnos el estado de ánimo del personaje. 


Paul llega al bosque muy nervioso, a lo largo de la secuencia la tensión va in crescendo hasta llegar al momento climax. Comprueba que su mujer está haciendo esquí acuático con otro hombre, la sigue, Paul no está cómodo, se quita la corbata y corre para no perderlos de vista. Vemos al personaje entre los arboles en un plano general picado, desde arriba, el está encerrado en su jaula, en su propia cárcel y su desesperación es cada vez mayor. El momento más brillante de esta secuencia es cuando Paul cae al suelo mirando hacia arriba mirando los arboles desde el suelo, cree que su mujer le engaña. En ese instante vemos el magnífico plano de los arboles con el sonido de unas abejas, que buena elección del director.  Continuamos con un pequeño zomm hacia el reflejo del sol y las abejas aparecen en pantalla. Los celos están muy bien expresados con este plano donde las abejas son una representación del estado de sus pensamientos, un estado de estrés y nerviosismo, que claridad para expresar los celos. De fondo oímos el sonido de un avión que tampoco es casualidad que suene o pase por allí justo en ese momento. En el cine hay que escribir con la cámara y sin duda Claude Chabrol lo ha conseguido eligiendo y utilizando la forma correcta.

VÍDEO:  Paul y su mujer están en el hotel en una pequeña sala de cine improvisada donde también hay una barra para tomarse una copa. Allí los clientes tienen la costumbre de ver las imágenes de un vídeo aficionado que ha grabando durante el día. En la proyección vemos a la gente que está de vacaciones en el recinto, los camareros y niños jugando. Paul empieza a estar  incómodo cuando aparece su mujer en pantalla y los celos le atrapan de nuevo. 






NARRATIVA: Comienza la proyección, el camarero trae una copa y una botella a Paul, mediante un travelling nos acercamos a el y toma un trago rápidamente. En este momento hay un cambio en el interior del personaje y Chabrol nos lo hace ver con ese travelling de acercamiento, nos avisa que algo va a pasar o ya esta pasando en su interior. El nerviosismo va creciendo,  ya que Paul teme que todo el mundo vea como su mujer le engaña. Los espectadores hacen comentarios cuando aparece algún conocido en las imágenes de la proyección. Paul toma otra copa y los celos se apoderan de el justo cuando aparece en pantalla su mujer practicando esquí acuático, en ese momento volvemos a ver un travelling de acercamiento, muy parecido al de antes pero esta vez mucho más rápido, es el momento cumbre de la secuencia y Chabrol muestra su increíble talento, la cámara comienza a girar hasta ponerse en posición oblicua mostrando como se desestabiliza el personaje, la iluminación cambia, se desanuda la corbata, rompe la copa y todo ello acompañado del magnífico sonido de las abejas, las mismas que escuchamos en la secuencia anterior del lago y que transmitían muy bien los celos, ahora sabemos que Paul está en el mismo estado que cuando vio a su mujer practicando esquí acuático. Que fuerza narrativa tiene ese conjunto de formas utilizadas y como nos transmite sin ningún tipo de dudas que el personaje está celoso. Todo está en  la cabeza del personaje, no existe, y el director nos lo hace ver casi al final de la proyección  con un primer plano de Paul lateral y al fondo en la pantalla algo desenfocada, vemos a un niño con su madre. Sus temores no corresponden con la realidad quedando claro que las imágenes reales de de la proyección están mezcladas con las que Paul tiene en su cabeza. Chabrol consigue de nuevo expresar con mucha fuerza y de forma impecable el mundo interior del personaje. 

El buen director de cine es el que decide que iluminación, que encuadre, que movimiento de cámara y que sonido tendrá su película en cada momento. Para finalizar os dejo un comentario de Robert Bresson que tiene que ver mucho con todo esto.

Lo bello no es bello por ser bello, es bello por ser necesario.
Robert Bresson.

16 de octubre de 2012

ESTRENAMOS CON LOS HERMANOS DARDENNE

Los hermanos Dardenne junto a los protagonistas de su última película, "El niño de la bicicleta".

Este es mi estreno en “Cine Jondo” como bloguero y me gustaría expresar una idea que me ronda por la cabeza desde hace varios años, el cine español necesita gente como los hermanos Dardenne, de productores arriesgados, de guionistas y sobre todo de más autores de calidad.

Los hermanos Dardenne, Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne  son dos directores de cine de nacionalidad Belga reconocidos a nivel internacional. Realizan un cine social que te atrapa desde el primer momento y como diría Robert Bresson….en sus películas la cámara habla por si sola y está narrando de verdad, no es teatro filmado. Así es como llamaba el director francés a las malas películas “teatro filmado”, y que razón tenía, es lo que hace la mayoría de realizadores en este país, cogen una cámara y filman a unos actores actuando. El cine es algo más, no solo contar una historia y registrarla en una cámara de cine. Hay que escribir con la cámara y transmitir lo más profundo de los personajes, lo que no se vé y de eso saben mucho los Dardenne. Las películas de estos hermanos son de gran sencillez y austeridad, sin música, donde ellos se lo guisan y se lo comen, escriben el guión, producen y dirigen. Comenzaron su carrera en la realización de películas de ficción en los años 80 habiendo rodado en años anteriores documentales durante 20 años. Han conseguido ganar en dos ocasiones la Palma de Oro del Festival de Cannes con “Rosetta” 1999 y “El niño” 2005, películas sociales imprescindibles para ver. Su última película, “El niño de la bicicleta” 2011. Si quieren ver cine social de calidad, sin duda vean las películas de los hermanos Dardenne.


Cartel de la película, "El niño de la bicicleta".